Auteur/autrice : Ylahad

Retour sur la scène française de 1981, une année marquante qui a vu la naissance d’un album emblématique dans la carrière d’Alain Bashung : « Pizza ». Ce disque, à la fois éclectique et novateur, est souvent considéré comme un tournant artistique, confirmant le talent de l’artiste et son aptitude à transcender les genres. Plongé dans une époque où la chanson française explore de nouveaux horizons, « Pizza » résonne encore aujourd’hui comme une œuvre majeure.

Un contexte singulier

En 1981, Bashung n’est pas encore l’icône intouchable qu’il deviendra dans les années suivantes. Révélé deux ans plus tôt par l’immense succès de « Gaby oh Gaby », il doit confirmer son statut dans un paysage musical en pleine mutation. Avec « Pizza », il choisit de s’entourer d’une équipe de talent, notamment Boris Bergman, parolier complice, et d’explorer des sonorités plus variées, tout en conservant une identité unique.

Une alchimie des genres

« Pizza » est un patchwork musical qui mêle chanson française traditionnelle, influences rock et touches de new wave. Les arrangements, résolument modernes pour l’époque, mettent en avant des synthétiseurs audacieux, des guitares incisives et une section rythmique percutante. Chaque morceau semble raconter une histoire unique, mais l’ensemble forme un tout cohérent, reflet d’une époque bouillonnante de créativité.

Parmi les titres phares, on retrouve :

• « Vertige de l’amour » : Un classique instantané, à la fois ironique et profond, avec son refrain entêtant et ses paroles ciselées.
• « Rebel » : Une œuvre teintée d’une mélancolie rock qui laisse entrevoir la vulnérabilité de Bashung derrière son apparente insolence.
• « Téléphone » : Une plongée dans une ambiance plus ludique, mais toujours avec cette touche de décalage caractéristique.

Des textes empreints de poésie

L’un des atouts majeurs de « Pizza » réside dans ses paroles, signées principalement par Boris Bergman. Les mots, souvent cryptiques, jonglent entre humour, dérision et existentialisme. Bashung s’amuse avec la langue française, créant des images surréalistes qui interpellent et invitent à l’interprétation.

Une influence durable

« Pizza » n’est pas seulement un succès commercial et critique à sa sortie—il pose les bases de l’identité artistique que Bashung affinera dans ses albums suivants, notamment « Play blessures » et « Osez Joséphine ». À travers cet opus, il s’éloigne des formats conventionnels pour s’imposer comme un artiste à part, capable de réinventer la chanson française.

Plus de quarante ans après sa sortie, « Pizza » continue d’être un album référentiel pour les amateurs de musique et les artistes en quête d’inspiration. Il incarne à la fois une époque et une vision artistique intemporelle.

Sorti en 1973, No Pussyfooting est une collaboration avant-gardiste entre deux figures emblématiques de la musique : Robert Fripp, le guitariste virtuose de King Crimson, et Brian Eno, le maître de l’expérimentation sonore et futur pionnier de l’ambient. Cet album, composé de deux longues pistes immersives, a redéfini les frontières de la musique électronique et instrumentale, ouvrant la voie à des genres encore méconnus à l’époque.

Une rencontre d’esprits visionnaires

Lorsque Robert Fripp et Brian Eno se rencontrent, ils partagent une envie commune d’explorer de nouvelles dimensions sonores. Eno, qui venait de quitter Roxy Music, s’était plongé dans l’expérimentation des boucles de bandes magnétiques et des synthétiseurs. Fripp, quant à lui, était déjà reconnu pour son jeu de guitare novateur et sa quête d’expérimentations musicales. Leur collaboration allait marier la rigueur technique de Fripp et l’approche artistique intuitive d’Eno, donnant naissance à un son inédit.

Le système « Frippertronics »

Au cœur de No Pussyfooting se trouve le système de boucles de bandes magnétiques qu’Eno avait perfectionné. Connue sous le nom de Frippertronics, cette technique consistait à enregistrer un son sur une bande magnétique qui passait entre deux magnétophones. La première tête enregistrait le son tandis que la seconde le reproduisait avec un léger délai, créant une boucle en constante évolution. Fripp utilisait ce procédé pour superposer des couches de guitare, produisant des textures riches et hypnotiques.

Les deux pièces maîtresses

L’album ne contient que deux morceaux, mais chacun est une exploration sonore à part entière :

« Swastika Girls » (18:44)
Plus énergique et texturé, ce morceau combine les boucles rythmiques des synthétiseurs d’Eno avec les mélodies fragmentées de la guitare de Fripp. Le titre, provocateur à l’époque, reflète l’ironie et la provocation artistique caractéristiques des deux musiciens.

« The Heavenly Music Corporation » (20:55)
Cette pièce débute avec des nappes de guitare envoûtantes qui se développent lentement, créant une ambiance éthérée et méditative. Elle illustre parfaitement la capacité de Fripp et Eno à transformer des sons simples en paysages sonores complexes.

Sorti en 1977, Front Page News est le huitième album studio du légendaire groupe britannique Wishbone Ash. Connu pour ses harmonies de guitare à deux voix et son style unique mêlant rock, folk et blues, le groupe marque avec cet album une transition vers des sonorités plus douces et mélodiques, tout en restant fidèle à son identité musicale.

Un contexte chargé d’évolution

Après le succès de leurs albums précédents tels que Argus (1972) et There’s the Rub (1974), Front Page News montre une volonté du groupe d’explorer des horizons musicaux plus accessibles, tout en gardant une profondeur émotionnelle dans leurs compositions. Cet album marque également la continuation de leur collaboration avec les producteurs Ron Albert et Howard Albert, qui ont contribué à peaufiner leur sonorité.

Les morceaux phares

L’album s’ouvre avec « Front Page News », une pièce envoûtante qui donne immédiatement le ton. Avec son intro acoustique chaleureuse et ses harmonies vocales impeccables, elle illustre parfaitement le savoir-faire du groupe.

Parmi les autres titres mémorables, on retrouve :

• « Midnight Dancer », un morceau entraînant avec une ligne de basse dynamique et une énergie contagieuse.
• « The Day I Found Your Love », une ballade touchante qui met en avant la richesse émotionnelle des compositions de Wishbone Ash.
• « Diamond Jack », un titre rock pur et efficace, mettant en valeur le jeu de guitare fluide et technique du duo Andy Powell et Laurie Wisefield.

L’album alterne entre des moments calmes et introspectifs et des passages plus énergiques, montrant une palette musicale impressionnante.

L’album At Fillmore East du groupe The Allman Brothers Band, sorti en 1971, est souvent considéré comme un monument du rock et du blues américain. Cet album live, enregistré au Fillmore East de New York, capture l’énergie brute et l’éloquence musicale qui caractérisaient les performances du groupe.

Un contexte unique

Derrière cet enregistrement mythique se trouve un lieu emblématique : le Fillmore East, une salle de concert new-yorkaise dirigée par Bill Graham, qui était à l’époque un temple pour les grands noms du rock psychédélique et du blues. The Allman Brothers Band, créé en 1969, était en pleine ascension grâce à son approche novatrice du rock. Mélangeant blues, jazz et country, leur style était renforcé par une virtuosité instrumentale sans égale.

L’album a été enregistré lors de deux concerts donnés les 12 et 13 mars 1971. Ces performances live ont été soigneusement sélectionnées pour capter le meilleur du groupe, qui était à son apogée créative.

Une énergie scénique palpable

L’écoute de At Fillmore East donne l’impression d’être transporté au cœur de la salle. L’album s’ouvre avec « Statesboro Blues », une reprise de Blind Willie McTell, où le jeu de guitare de Duane Allman – un virtuose de la slide guitar – donne le ton.

Des morceaux comme « In Memory of Elizabeth Reed » ou « Whipping Post » montrent le talent du groupe pour les longues improvisations, avec des solos époustouflants et des interactions musicales qui relèvent presque de la télépathie. Ces titres, qui étendent parfois sur plus de 20 minutes, sont de véritables voyages sonores, où chaque note semble à la fois maîtrisée et spontanée.

Une équipe exceptionnelle

Le groupe était composé de musiciens d’exception :

La section rythmique, composée de Berry Oakley (basse) et des deux batteurs Butch Trucks et Jaimoe Johanson, apportait une dynamique puissante et complexe.

Duane Allman (guitare slide) et Dickey Betts (guitare solo) formaient un duo légendaire, capable de créer des harmonies complexes tout en laissant place à des moments d’éclat individuel.

Gregg Allman, frère de Duane, était le chanteur et claviériste du groupe. Sa voix rauque, imprégnée de soul, ajoutait une profondeur émotionnelle aux morceaux.